Мы живем в эру компьютерных технологий.Многие трудоемкие процессы, которые ранее занимали много времени и требовали большого количества дорогостоящей аппаратуры, стали доступными в домашних условиях. Образ студии, похожей на космический корабль, укомплектованной дорогостоящими приборами, выполняющими узконаправленную задачу, постепенно отходит в прошлое. Есть еще приверженцы аналоговых приборов и носителей, но далеко не каждый может себе позволить такую роскошь. Главное же — не железки, а тот материал, из которого, в конечном счете, будет «слеплено» музыкальное произведение, и те, кто его лепит.

Напомню о том, что сведение — это творческий процесс. Нет ни строгих правил, ни законов. Наоборот, любые эксперименты приветствуются, так как они могут привести к неожиданному результату. Желательно, конечно, к хорошему. И все же на одном духе экспериментаторства далеко не уедешь. Собственный опыт — очень хорошо, но, поучившись на чужих ошибках, можно сэкономить и силы и время. Описанное далее является результатом вполне объективного опыта, накопленного годами и поколениями. Это то, от чего можно отталкиваться, уходя в дебри поиска нового звучания.

Во времена господства аналога для переноса материала из одной студии в другую требовалось множество условий. Совпадать должны были не только формат, то есть количество дорожек и ширина ленты многодорожечного магнитофона, но и тот тип шумоподавления, который использовался при записи на ленту, а также точная скорость вращения ленты, не говоря уже об одинаковой калибровке воспроизводящих головок этих двух громоздких приборов. Со-временные технические возможности раскрывают доселе невиданные горизонты для творчества. С внедрением цифровых компактных носителей в процесс записи и сведения появилась свобода выбора помещений под каждый из этапов работы.

Для записи исходного материала (т. н. трекинга) поиск студии осуществляется под конкретно поставленную задачу: где-то есть хорошая комната для записи барабанов, а в другом месте — отличный парк вокальных микрофонов. Не говоря уже о том, что сама музыка диктует технологии. Так, занимаясь электронно-танцевальным проектом, не обязательно иметь под рукой аналоговый магнитофон, а в музыке с акустическими барабанами он желателен. Гитарист хотел бы поэкспериментировать со звучанием различных комбиков, а клавишнику нужен аналоговый Rhodes с колонкой Leslie, которые имеются далеко не в каждой студии.

Однако перейдем сразу к подбору студии для сведения. Важно найти место, где будет сочетаться хорошая акустика в аппаратной с адекватным контролем, то есть набором громкоговорителей, дающих более или менее объективное представление о звучании. Иметь под рукой нужно, как минимум, два вида контроля: ближнего и дальнего поля. Стандартов, особенно для дальнего поля, за долгие годы так и не сформировалось. Многим нравится звучание мониторов Quested, другие используют KRK, Dynaudio или Genelec. В больших студиях вообще часто используются мониторы, сконструированные по спецзаказу. Одно можно с уверенностью отметить: непревзойденным лидером среди мониторов ближнего поля по сей день является YAMAHA NS10-M studio с хорошим усилителем.

К ним можно иметь пару альтернативных, но без них — несерьезно. В дополнение к вышеописанным в студии могут присутствовать маленькие громкоговорители, максимально приближенные к бытовой аппаратуре ниже среднего класса. Если лично у вас есть наушники, звучание которых вам до боли знакомо, захватите на сведение и их, но только для проверки. Сводить в наушниках противопоказано: ошибки во всех частях спектра обеспечены, не говоря уже о том, что просто невозможно с закрытыми ушами разобраться с низами. Многие результат работы проверяют, прослушивая готовую фонограмму в машине. Это один из лучших способов переключиться с одной акустики помещения на другую. Вернее отсутствие оной в салоне, плюс хорошо знакомое звучание автомобильных колонок, плюс посторонние шумы, плюс просто смена обстановки — все это вместе не даст допустить ошибки в балансе, особенно если проблема заключается в количестве вокала или баса. Сразу проявятся все не прослушиваемые провалы и излишние выпячивания каждой из партий.

В системах, использующих отдельно стоящий субвуфер, нелишним будет иметь возможность оставить при прослушивании только его. Особенно важно это при сведении танцевальной музыки, где в нижней зоне основным инструментом должен являться большой барабан и ни один инструмент не должен ему мешать, даже бас.

Профессиональная студия звукозаписи высшего класса

Кроме акустических особенностей при подборе студии для сведения, нужно определиться с форматом. Если раньше вопросов не было, а было сплошное моно, то в наш век есть из чего выбрать. Стерео, или 5.1, или еще что-то? От того, где будет использоваться сводимый материал, и зависит формат. Если это определенный телевизионный канал, который ведет вещание только в моно, имеет смысл и сводить в моно, чтобы в дальнейшем не было никаких сюрпризов во время эфира. Если же музыка предполагает широкое использование — скорее всего, целесообразно стерео. Если же это реклама или музыка к кино, стоит осведомиться у заказчика, не нужно ли сведение в формате 5.1 или каком другом.

Остановимся пока на сведении музыкального произведения в стерео. Предположим, что материал вам не известен, записывали его не вы и принесен он из незнакомой студии от еще менее знакомого звукоинженера. С чего же начать?

Для первого прослушивания можно просто выдвинуть все фейдеры на нулевую отметку, чуть поправляя баланс в процессе звучания трека. Это знакомство с материалом — и не более. Но в процессе этого знакомства должен сложиться образ того результата, к которому в процессе сведения вы будете стремиться, применяя все известные технологии. Самые простые характеристики, такие как жанр, темп, мелодизм, сами подскажут вам общее звучание.

Современная домашняя музыкальная студия

Далее нужно разложить музыку на составляющие, то есть на типичные элементы аранжировки, которые присутствуют практически в каждой песне. Их всего пять: основа, ритм, солисты, подклад и заполнение. Безусловно, не в каждой песне будут содержаться все названные элементы, какие-то из них могут выполнять функции друг друга или просто отсутствовать, а какие-то присутствовать в исполнении не одного, а нескольких инструментов. Все зависит от стиля и направления музыки, к которому можно отнести данное конкретное произведение. Этот вопрос лучше решать с продюсером или с автором. Разобравшись со стилем и основой аранжировки, стоит обратить внимание на присутствие лишних партий и тембров. Совсем не обязательно их тут же удалять безвозвратно, но пометить вопросом стоит. Свежее впечатление — самое адекватное, и если что-то сразу мешает и отвлекает от основной линии, возможно, стоит попробовать звучание без этого элемента или партии. И все же — как оставаться максимально объективным при отсечении лишнего?

Во-первых, солисты. Нет ли партий, которые отвлекают, «перетягивая одеяло» на себя? Такую «медвежью услугу» обычно оказывают слишком «навороченные» подклады, особенно со свиперами, мелодизированные ритмические партии или красивые, но неуместные арпеджиаторы. Ничто не должно мешать солисту донести основную драматическую линию до слушателя. Но не надо путать мешающие партии с контрапунктами, которые не просто хороши, но и необходимы, иначе аранжировка будет звучать бедно. Контрапункт — это параллельный основному музыкальный материал, не совпадающий с основным как в ритмической области, так и в мелодической, а еще лучше, если они имеют между собой и тембральное и тесситурное разделение.

Во-вторых, партии, ритмически маскирующие друг друга. Возможно, что от одной из них придется отказаться или проредить ее, что сложнее, но тоже возможно. Имеется в виду сочетание близко стоящих мелких долей в различных партиях, не дающих возможность успеть проследить за «грувом» каждой из них и превращающих все в кашу из сплошных шестнадцатых или тридцать вторых нот. Данный пункт касается не только партий барабанов и перкуссии, но и ритм-гитар, клавишных и всевозможных эффектов. Ритмическая организация звуков и пауз поможет ощутить «грувовость» движения, без которой невозможно получить от слушателя отклик на уровне пританцовывания в такт движению музыки.

В-третьих, частотно маскирующие друг друга элементы. Такое часто случается между гитарами и электропиано, левой рукой рояля и басом. В меньшей степени это относится к подкладам, бэк-вокалам, духовым и смычковым. Гармонические инструменты, сыгранные в одной тесситуре, изначально будут маскировать друг друга. Если же при записи на это не обратили внимания, стоит разобраться с проблемой сейчас. Тембральная прозрачность — это возможность для слушателя насладиться красотой каждой из партий. Иначе ему придется продираться через бетонную стену звуков, обрушиваемых на его бедную голову из динамиков.

В-четвертых, просто грязь, не вычищенная при монтаже. Это могут быть неточные склейки дублей в инструментальных партиях, призвуки от ударов по датчикам в электрогитаре, заметное дыхание солиста да плюс фальшивые ноты, которые стоило бы подправить. Встречаются даже несовпадения гармоний в различных партиях и многое другое. Если таких небрежностей не единицы, а море, стоит просто отложить сведение до того момента, пока не будет доделан чистовой монтаж. Ведь процесс этот может оказаться трудоемким, отнять массу времени и сил, а главное, будет полностью утеряна свежесть восприятия материала, которая так необходима при сведении.

Прямо скажем, за всеми вышеуказанными ошибками стоило бы последить во время записи звукорежиссеру, который осуществлял трекинг. Не говоря уже о тех случаях, когда в проекте присутствует музыкальный продюсер, — где были его уши? Я не противница «расслабленной» позиции при записи, — мол, на сведении все исправим. Гораздо практичнее записывать партии, уже имея представление о конечном результате и приближая его каждым новым звуком, фиксируемым на носитель. Хорошо бы еще, чтобы каждый звук уже при записи обретал яркость и характерность в соответствии с жанром произведения. Глупо писать рояль тембром типа «Стэйнвей» для музыки латино-американского направления, а потом при сведении пытаться добиться от него звучания «Хонки-тонк пиано». Та же история с записью гитар, которые сразу должны получать должную степень перегрузки, а не быть записанными в чистом виде, а уже на сведении обработаны.

Особое отношение сложилось к барабанам. Здесь труднее всего определить, какие тембры должны быть, поэтому принято прописывать и индивидуальные сигналы каждого из инструментов, и общее звучание, так называемый room, причем с той компрессией, которая его окрасит и придаст легко уловимый характер. На сведении останется только выбрать лучшее или смешать и то и другое в правильной пропорции.

С главной вокальной партией следует быть крайне аккуратным. Здесь нельзя допустить жесткой компрессии (исключением являются спецэффекты), но и совсем без компрессии нехорошо. Да и эквалайзером пользуются крайне редко, только в случае, когда отсутствует нормальный микрофон. При записи бэк-вокалов совсем другая картина по отношению к компрессии. Хорошим прибором можно достаточно сильно «поджать» динамику дополнительных вокальных партий и дабл-треков.

На сведение произведения, при записи которого выполнялись все вышеуказанные замечания, уйдет не более шести часов, а то и меньше — зависит от насыщенности аранжировки, да и от продолжительности самой вещи. Но идеально записанные произведения встречаются нечасто. Появившиеся возможности прописывать треки дома или на репетиционной базе внесли путаницу в само представление о процессе сведения. Исправление ошибок и неточностей, допущенных при записи, выбор дублей основного вокала и солирующей партии, вычищение мусора гармонического и ритмического, исправление непригодных тембров различными экстремальными способами — вот на что уходят время и силы… Согласитесь, это трудно назвать творческим процессом. С другой стороны, безусловно, появляется элемент азартной игры: «А может, из ЭТОГО удастся сделать конфету?» В случае успеха удовлетворение от проделанной работы удваивается.

Автор: Софья Кругликова